Un nou Turandot semnat Andrei Șerban a deschis a 70-a ediție a Festivalului de la Atena

Pe 1 iunie 2025 a avut loc la Atena premiera spectacolului cu opera Turandot de Puccini, în regia regizorului româno-american Andrei Șerban. Șerban a montat pentru prima dată Turandot în 1984 la Royal Opera House din Londra, spectacolul fiind reluat de curând pe această scenă. Noul spectacol, pentru care regizorul a colaborat cu scenografa de origine greacă dar cu o carieră internațională Chloé Obolensky, este pus în scenă la Atena  în teatrul antic roman Herodes Atticus și produs de Opera Națională a Greciei, înregistrând deja un succes considerabil de public și de critică. Publicăm mai jos fragmente din primele cronici apărute. (Scena.ro)

Credit foto: G.Antonoglou

O Turandot bântuită

de Clement Mariage pentru OPERA FORUM INTERNATIONAL

În fiecare iunie, Opera Națională a Greciei are onoarea de a inaugura Festivalul de la Atena și Epidaur – care sărbătorește cea de-a 70-a aniversare. Anul acesta, Turandot de Puccini a fost aleasă pentru a da startul festivităților.

În decorul grandios al Odeonului lui Herodes Atticus, la poalele Acropolei, Andrei Șerban a prezentat a doua sa versiune a lui Turandot, după producția de la Royal Opera House, a cărei premieră a avut loc în 1984 și a fost reluată recent. Această nouă interpretare redă operei lui Puccini toată violența și cruzimea sa, în acest loc antic unde imaginația alunecă de la vise exaltate la coșmaruri. Ideea principală a regizorului este de a aduce pe scenă fantoma prințesei Lou-u-ling, evocată de Turandot în „In questa reggia”. Spectacolul începe astfel cu o pantomimă în care Turandot este martoră neputincioasă la „scena primordială” care o bântuie: Lou-u-ling este urmărită de patru bărbați care o violează și o ucid. Fantoma prințesei indignate, printr-un proces care este la fel de legat de teatrul asiatic, pe cât este de teatrul antic, o urmărește pe Turandot pe tot parcursul restului reprezentației și devine unul dintre personajele esențiale ale acțiunii. Cu pumnalul în mână, urmată de o procesiune de femei care flutură secere strălucitoare, ea este întruchiparea palpitantă a radicalismului lui Turandot, a originii și a sfârșitului ei.

Scenografa ChloéObolensky a ales cu înțelepciune să-și construiască decorul începând cu zidul antic, cel mai frumos dintre decorurile naturale, deasupra căruia stelele și luna își aduc partea lor de poezie. Pe proscenium, un promontoriu negru din lemn domină orchestra, în timp ce mici structuri ies din stuf, precum niște estacade de teatru arhaice. La sfârșitul primului act, când apare Turandot, marele văl roșu care ocupa centrul zidului cade, dezvăluind o figură strâmbă, la fel de mult o Gorgonă, cât și un idol indonezian. Șerban nu ezită să exacerbeze dimensiunea macabră și barbară a libretului: Ping, Pong și Pang poartă coafuri din os, mulțimea și soldații se joacă cu capetele decapitate ale pretendenților, hemoglobina curge liber, iar Liù ajunge pe scenă deja acoperită de sânge înainte de interogatoriul ei din Actul III, târâtă de soldați care își pocnesc biciul. Costumele, concepute tot de Chloé Obolensky, sunt inspirate din formele și materialele Chinei antice. De remarcat este, de asemenea, omniprezența măștilor, unele amintind de teatrul asiatic, altele de comedia dell’arte, de care este legat textul original al lui Carlo Gozzi.

Corul nu este pe scenă alături de cântăreți, ci ocupă primele rânduri ale tribunelor. Îmbrăcați ca niște spectatori obișnuiți, aceștia comentează acțiunea din exterior, oferind o distanță binevenită, ca și cum epocile și zonele geografice (China antică și Grecia modernă) s-ar interoga și și-ar răspunde reciproc. Scena este întotdeauna animată de dansatori care joacă rolul de soldați sau de membri ai mulțimii. S-ar putea găsi ansamblul uneori supraexcitat, dar acest flux constant de energie pe scenă este eficient într-un spațiu atât de vast. Această producție, clasică în stilul său, dar foarte originală în execuție, reușește să fie atât un spectacol pentru publicul larg, cât și un spectacol stimulant pentru cei deja familiarizați cu opera, fără a cădea în kitsch-ul care afectează adesea acest tip de producție în aer liber. (…)

Orchestra Operei Naționale a Greciei se află sub bagheta atentă a lui Pier Giorgio Morandi. Există ceva barbar în vigoarea anumitor pasaje, cu timbre clare de la instrumentele de alamă și armonie discretă, lovituri ascuțite de la percuție, fără a căuta fade-out-uri excesive sau o frumusețe chinuită. Când cântăreții sunt mai expuși, orchestra știe să devină mai sclipitoare și mai blândă, aducând pasiunile lor la punctul lor incandescent, fără a le îneca.

Mai mult, nu putem să nu menționăm bucuria de a putea contempla întregul ansamblu de instrumentiști din sală – în special niște muzicieni atât de excelenți – orchestrația lui Puccini fiind un spectacol în sine. În cele din urmă, minunații coriști ai Corului Operei Naționale a Greciei nu merită decât laude: interpretările lor succesive sunt remarcabil de precise și coezive. Prezența lor în tribunele unde publicul urmărește spectacolul creează un efect foarte puternic de empatie, cu ei și cu acțiunea reprezentată pe scenă. La sfârșitul operei, prințesa Lou-u-ling, apărând chiar în vârful peretelui teatrului, lasă să cadă un văl roșu, sugerând că se eliberează de o povară sângeroasă și capitulează în fața iubirii dintre Turandot și Calaf. În mijlocul acestui teatru antic, începem să credem, emoționați până la lacrimi, în această idee naivă (sau pur și simplu optimistă?) că doar iubirea poate vindeca rănile și întrerupe ciclul nesfârșit al violenței.

Turandot
de Eftychios D. Choriatakis pentru ATHNORAMA magazine

Cu o nouă producție superbă a operei Turandot de Puccini, care a avut premiera zilele trecute la teatrul roman Herodes Atticus, Opera Națională a Greciei participă la aniversarea festivă din acest an, cea de a 70-a aniversare a Festivalului de la Atena, pe care până acum câțiva ani îl inaugura în mod tradițional. O lucrare ideală pentru un „mare spectacol” chiar și într-un spațiu deschis, Turandot este jucată destul de rar în Grecia, printre altele din cauza dificultății de a găsi cântăreți pentru rolurile extrem de solicitante ale cuplului principal.

Regia noii producții a fost atribuită românului-american Andrei Șerban, care în 1984 a creat un Turandot pentru Royal Opera House din Londra, jucat în continuu până în prezent și constituind unul dintre cele mai mari blockbustere din istoria operei! Propunerea către celebrul regizor a fost făcută prin intermediul renumitei scenografe și autoare de costume de origine greacă Chloé Obolensky, care a fost invitată de directorul GNO, George Koumendakis, să colaboreze pentru prima dată cu această instituție.

Colaborarea Șerban-Obolensky a creat, fără îndoială, una dintre cele mai frumoase producții din istoria recentă a GNO și cu siguranță una dintre cele mai emblematice pe care le-a propus de-a lungul timpului la Herodes Atticus! Și asta pentru că, pe de o parte, a fost lucrată cu o profunzime de detaliu fără precedent (este semnificativ faptul că pregătirea decorurilor și a costumelor, aproape exclusiv în atelierele Operei, a durat doi ani), iar pe de altă parte a fost o adevărată lecție de teatru despre cum se poate proiecta și implementa, cu imaginație și consecvență, o producție lirică în spațiul grotei romane, cu respect absolut pentru particularitățile acesteia. În mod indicativ, înregistrarea digitală de către GNO a întregii suprafețe a Herodiumului a permis crearea unui zid care „imită” perfect piatra monumentului antic (…)

Succesul se datorează în mare măsură muncii lui Obolensky. Într-o încercare conștientă de a face să coexiste două civilizații antice (cea elenistică și cea chineză), scena  nu a găzduit interiorul aurit al unui palat al Chinei imperiale, ci spațiul din exteriorul acestuia, peisajul presărat cu stufăriș natural din jurul porții unui oraș antic. O platformă din lemn a fost ridicată la trei metri deasupra orchestrei, în timp ce acțiunea a fost facilitată de transferul numeroșilor coriști (îmbrăcați modern, ca și cum ar fi parte din public) așezați nu pe scenă, ci în primele rânduri din sală, ca niște spectatori care comentau acțiunea. Cu toate acestea, actorii, dansatorii, soliștii de pe scenă purtau costume colorate, impresionante, cu referințe istorice clare (rezultatul unor cercetări fundamentate), iar cele peste 80 de măști pictate, un steag roșu imens care tăia vertical peretele scenei care a supraviețuit intemperiilor și câteva sculpturi din lemn impresionante și macabre făceau trimitere directă la China! În cele din urmă, iluminatul atmosferic, extrem de teatral, realizat de Jean Kalman și Simon Trotte s-a dovedit a fi cheia vizualizării de basm.

Distanțându-se de prima sa regie de la Londra (Royal Opera Covent Garden) Șerban a pus în scenă la Atena o reprezentație narativă mult mai sumbră, surprinzător de fluidă, care a trădat o cunoaștere profundă a operei (ce redare precisă a fiecărei scene, a fiecărei imagini, în cel mai delicat detaliu!) dar și a temelor mereu actuale – deși secundare – (feminism/ rasism/  putere/dictatură/ terorism, căsătorie/dragoste, imigrație).

Din punct de vedere dramaturgic (autoare Daniela Violetta Dima), prezența frecventă – încă din introducere – pe tot parcursul lucrării a figurii feminine  a lui Lo wu Ling, strămoașa violată a lui Turandot (rol mut), a amintit/că ea e nucleul emoțional și politic  al operei, în timp ce întreaga organizare teatrală a acțiunii scenice (inclusiv poziționarea diferită a corului în sală) a permis iluminarea clară a diverselor personaje, fără a fura însă atenția de la cuplul principal central.

Referințele clare la „commedia dell’arte”, scenele frumos coregrafiate (de către Kate Flatt cu ajutorul Georgiei Tegu) cu prezența neîntreruptă a unui număr suficient de interpreți și figuranți în roluri mai mici au sporit atmosfera întunecată a operei, amintindu-ne constant de pericolul care planează asupra lui Calaf, dar și asupra  noastră. Pe scurt, o producție pregătită riguros și realizată cu mare atenție, care a evidențiat elementele mitului fără a se limita la ele, și a gestionat inteligent și sensibil spațiul scenic foarte dificil al Herodionului.

În orice caz, calitatea și succesul imens al întregii producții (biletele pentru toate reprezentațiile s-au vândut cu o săptămână înainte de premieră!), o carte de vizită ideală pentru festival, ar trebui să motiveze Opera să păstreze producția în repertoriu și să o repete des în viitor.

Credit foto: V.Isaeva

Turandot, eteric și plin de stropi

de Ilias Magklinis pentru cotidianul Kathimerini

Această operă are un aspect de film „stropit”: capete tăiate, călăi, torționari, cruzime, moarte. Am experimentat intens acest lucru în noua producție a Operei Naționale Grecești la premiera Festivalului de la Atena, duminică seara, exact așa cum dictează tradiția – ca festivalul să se deschidă cu „GNO la Herodion”.

În funcție de pofta fiecărui regizor, Turandot se pretează la o exprimare foarte fizică a durerii și a angoasei. În mâinile unui compozitor precum Giacomo Puccini (1858–1924), povestea unei prințese chineze care decapitează pretendenți în masă, punând trei ghicitori pe care nimeni nu le poate rezolva – determinându-l pe călău să acționeze – capătă azi o dimensiune și mai profundă.

Puccini, ca fiu al școlii de operă veriste (din vero, care înseamnă „adevăr” în italiană), nu a ezitat să exprime muzical goliciunea, pasiunea și lupta umană în cele mai extravagante și agresive moduri. Ceea ce a devenit cunoscut în literatură sub numele de naturalism (gândiți-vă la romanele lui Zola în Franța sau la cele ale lui Dreiser în America) a adus opera italiană în realitățile mai concrete ale secolului XX.

Recentul Turandot la Herodion, regizat de celebrul Andrei Șerban, cu scenografie și costume de Chloé Obolensky, scenografa lui Brook la Mahabkarata  (care aici a transformat scena teatrului roman într-un mod extrem de eficient), a prezentat într-adevăr mult sânge: în boluri de sticlă, vărsat pe scenă, stropit pe costume. Aceasta reprezenta, în esență, lumea interioară chinuită a unei femei care urăște dragostea și viața.

Cele trei ghicitori (care amintesc de Sfinxul amenințător din mitologia greacă) așteaptă un pretendent suficient de îndrăzneț să le rezolve – doar pentru ca prințesa întunecată să se trezească într-un impas terifiant. Poziția ei asupra vieții este modelată de chinul pe care l-a îndurat străbunica ei din mâna unor bărbați străini. Fantoma acesteia din urmă bântuie scena – mută și necruțătoare – simbolizând probabil povara sub care cei vii se prăbușesc atunci când amintirea morților rămâne insuportabil de grea. Virginitatea aleasă de ea aici pare sinonimă cu moartea violentă. Firește, dragostea va oferi în cele din urmă o rezolvare – dar numai după ce sângele nevinovaților va fi vărsat.